19 Jan Caravaggio furibundo
Por Victoria Verlichak
Penetrante y furiosa mirada de “Medusa” no paraLiza de espanto sino que con su potente expresividad imantó a la multitud de contempladores de la excepcional muestra “Caravaggio y sus seguidores”, en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Famoso e influyente, olvidado apenas falleció, el turbulento Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio (1571-1610), es revalorado en el siglo XX a partir de los años ’20 por los estudios de Roberto Longhi y Lionello Venturi; su reivindicación académica culmina en los ’50. Desde la década del ’80, el prestigio de Caravaggio sigue ascendiendo en la percepción pública. En la conmemoración del cuarto centenario de su muerte, en el 2010, se sucedieron exhibiciones sobre el revolucionario pintor, decisivo en la pintura europea.
Pendenciero y audaz, amante fervoroso, frecuentó la noche y el alcohol, fue proclive a las peleas y herido en el rostro. Caravaggio asesinó a su contrincante tras un partido de tenis y huyó de Roma. Viajó por el sur de Italia trabajando intensamente y difundiendo su pintura. La misma efervescencia provocadora y desdén por las reglas y jerarquías que regía su vida le permitió realizar una obra de escandaloso realismo, fuera del canon.
De monstruos y santos
Se exhibieron en Buenos Aires siete de las 50 pinturas catalogadas de Caravaggio. La extraordinaria “Medusa” (1597), montada sobre un escudo convexo de madera de 50 x 48 cm, fue atribuida definitivamente a Caravaggio en el 2009 y es la primera de las dos versiones existentes; la otra está en Gallería degli Ufizzi, Florencia. Llamada Murtola, por el poeta Gaspare Murtola que escribió sobre ella luego de haberse lucido en el living de una casa de Milán, ahora suele permanecer en una bóveda de un banco.
Según la mitología griega, Medusa era un monstruo con cuerpo de mujer y cabellera compuesta por serpientes venenosas que paralizaba al que se atreviera a mirarla. Perseo se enfrentó a ella usando el reflejo de su escudo de lucha para no quedar petrificado con su mirada, la decapitó y, a su vez, empleó su cabeza como escudo.
Feliz por tener en el MNBA esta muestra curada por Giorgio Leone e ideada por la especialista Rossella Vodret, tras destacar la labor del equipo del Museo, su director Guillermo Alonso señaló que el diseño museográfico se organizó a partir de elementos compositivos del estilo barroco, como las diagonales que marcan direcciones ascendentes. Se eligieron colores vinculados a la paleta de Caravaggio, que realzan aún más sus representaciones y subrayan el “violento contraste entre la luz y las tinieblas”, según apunta Vodret; las pinturas “casi cinematográficas”, involucran al observador por pre-sentar las escenas en “primer plano”.
No hay idealización celestial en sus óleos naturalistas que emplean modelos corrientes y desprolijos como la vida. Entre siete piezas, se observaron los magníficos “San Jerónimo escribiendo” (1605-1606); los dos personajes con ropa raída de “San Francisco meditando” (1606) y “San Francisco meditando” (1606-1618), copia de autor; “Retrato del cardenal (Benedetto Giustiniani)” (1599-1600).
Fue un privilegio poder observar las obras del gran maestro del barroco, presentadas junto a otras 15 espléndidas pinturas de sendos “caravaggistas”, palabra que nombra al estilo y a los artistas que se inspiraron en Caravaggio, también conocidos como tenebristas, por el uso del claroscuro. Se destacó la transgresora “Magdalena desvanecida” de Artemisia Gentileschi (1593 -1653), la primera pintora registrada en la historia del arte; violada por un colega de su padre Orazio (aquí con “María Magdalena”), llevó ajuicio a su atacante y luchó por su lugar en condiciones adversas.
Esta muestra fue posible por la persistencia de Guillermo Alonso y el apoyo de Asociación Amigos del MNBA, por el gran patrocinio del grupo Fiat y el auspicio de la Embajada de Italia. Estuvo acompañada por vitrinas con análisis técnicos comparativos e imprescindible catálogo ilustrado que, también, puso en relación a Caravaggio con artistas del patrimonio del MNBA.
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